Jules e Jim - François Truffaut

“Você me disse: ‘Eu te amo’

E eu: ‘Espere’

Eu ia dizer: ‘Possua-me’

Você disse: ‘Vá!’”

Em 1962, François Truffaut realizou uma das maiores obras-primas da sua carreira e o melhor filme de amor de todos os tempos: “Jules e Jim – Uma Mulher Para Dois”. Conta a estória da amizade entre dois homens de países diferentes, desde seu início até o trágico fim. Jules é um alemão que mora em Paris e não tem muito sucesso entre as mulheres. Jim é um Francês que vive rodeado de namoradas. Um dia eles tomam conhecimento da estátua de um rosto de mulher muito antiga, preservada num museu. A peça os impressiona de tal forma que eles se apaixonam por ela e decidem seguir seu sorriso por onde quer que vá.

É nesse ponto que eles conhecem Catherine, uma mulher que se comporta estranhamente para sua época, mas, por se parecer com a tal estátua, se torna irresistível. O filme ostenta a rebeldia presente na juventude dos anos 60, embora se passe na década de 10. Não é apenas uma rebeldia política, e sim, uma tentativa de cambiar os padrões até então vigentes. São os reflexos de uma ‘juventude transviada’ transportados para a época em que se passa a estória. Truffaut teve uma infância difícil. A ausência de amor e referências parentais fez com que ele se tornasse um ‘incompreendido’. Furtava para pagar seus ingressos no cinema. Daí vem a vontade de transgredir, presente em vários filmes de sua vida. Em “Jules e Jim”, isso se manifesta intensamente e sob vários aspectos. A fotografia, por exemplo, dita o ritmo frenético da película. É ousada e diferenciada, assim como a música (hora forte, hora suave), que acentua a relação de contraste e inconstância entre as personagens. A narração contribui para o clima ligeiro, porém romântico que o filme adquire.

Catherine é uma mulher inconstante e impulsiva. Com ela, o trio começa a se aventurar nas “trapaças” da vida, o que se convencionou a chamar de amor livre. Cinematograficamente, é uma verdadeira e intensa exploração dos sentidos: cheiros, visões, sons, sabores e outros. Trata-se de uma experimentação de tudo: da vida, do sexo e da paixão. Na tela há uma explosão de estímulos. A película representa uma abertura sexual nunca antes vista no cinema. A troca entre os papéis do homem e da mulher. O famoso “Turbilhão da Vida” de Truffaut.

Difícil de ser descrita (até porque se trata de audiovisual), a beleza é construída através dos detalhes. Foi a primeira vez que se falou tão abertamente em ménage e triângulo amoroso. Nesse ponto, o filme nos remete à “Bande à Part”, uma das grandes obras-primas de Godard (ou “o filme de Godard para quem não gosta de Godard”, para os íntimos). Aos poucos, os protagonistas desenvolvem uma forte relação de dependência, própria da paixão, porém com a forma mais profunda de ciúme que ela acompanha. O amor entre os três se torna obsessivo.

Catherine adora ser bajulada, mas nunca dá o braço a torcer. Quando não recebe atenção, muda seu temperamento, demonstrando hostilidade. Os homens, no seu fascínio, não percebem o jogo no qual estão se envolvendo e atendem a todas as vontades da mulher. Todos estão numa constante busca por uma liberdade idealizada, na mudança dos padrões da sociedade e na quebra de regras.

Estoura a Primeira Guerra Mundial e, com ela, é consumada a separação das três personagens principais, que só se verão juntas novamente após o fim das batalhas. Esse longo período é suficiente para esfriar o relacionamento e pôr fim ao “Turbilhão”. Catherine se encontra triste, acorrentada pelo casamento e privada da sua tão sonhada falta de compromisso. Sua inconstância é cada vez maior. A passividade de Jules a incomoda. É aqui que Jim reaparece, suscitando um amor que há muito não aparecia. A angústia da mulher está na dúvida entre os dois amigos. O passar do tempo é rápido, porém quase imperceptível. As personagens não envelhecem fisicamente, e sim na “alma”.

Após a linda cena em que Jeanne Moreau canta na presença das protagonistas, vemos o retorno de um breve ápice do grande “Turbilhão”, mas que não se mostra tão verdadeiro quanto o primeiro. Os “vais-e-vens” da estória determinam de vez o fim da rebeldia, da transgressão, da trapaça e da impulsão. Jules e Jim já não amam mais Catherine, mas continuam com ela por pura comodidade, por medo da mudança. Tratam-na como uma deusa que precisa ser sempre adorada. Quando a mulher o percebe, é necessário reinventar a paixão. Sua busca pela liberdade nunca pode cessar, sendo que ela se materializa na opção pelo suicídio e pelo assassinato de Jim. ‘A liberdade da morte’, que desemboca na bela seqüencia final da cremação dos corpos.

Qual é o filme?

Bom pessoas, na aula de artes da Escola da Serra tivemos que desenvolver um projeto em grupo. O meu grupo escolheu o meio "fotografia". Selecionamos alguns filmes importantes da história do cinema e reproduzimos algumas de suas cenas em fotos. Posto aqui as fotos e espero que vocês coloquem suas opiniões sobre quais filmes elas pertencem.
Abraços!

Os Incompreendidos - François Truffaut

Este filme de François Truffaut, conta a história de Antoine Doinel (interpretado por Jean-Pierre Léaud), personagem considerada alter ego do próprio diretor. Antoine é um garoto de aproximadamente doze anos que mora com seu padrasto e com sua mãe. O padrasto é hora gentil e brincalhão, hora severo e ríspido. A mãe está cansada do seu filho, e o trata com descaso. Na escola, lhe faltam estímulos. O professor, com seus métodos “medievais”, apenas incentiva o comportamento de Antoine: disperso e irresponsável.

Doinel passa a faltar às aulas para ir ao cinema e se divertir com um amigo de escola. Com as desavenças familiares e com a pouca orientação vinda de casa, ele decide morar sozinho e começa a cometer pequenos furtos para conseguir sobreviver. Quando a polícia o encontra e o entrega para a mãe, esta diz que ele não a interessa mais. Antoine é criminalizado pela mãe, padrasto e professores (daí retira-se a explicação do título), quando na verdade deveria ser entendido como conseqüência de uma educação deficiente e receber toda a ajuda possível da família e da escola. Ele não era criminoso, e sim incompreendido.

Os problemas familiares e a falta de apoio da escola geraram confusões e incertezas na cabeça do menino, que se manifestaram na rebeldia e nos furtos.

O padrasto decide mandar Doinel para o “Centro de Observação de Menores Delinqüentes”, onde teoricamente seria “corrigido”. Então ele se depara com centenas de jovens que, assim como ele, estavam ali por incompreensão.

Na cena final do filme, Antoine consegue fugir por um buraco numa grade e corre desesperadamente. Depois de muito correr, ele chega ao mar, amplo, simbolizando a liberdade. Nessa hora sentimos que o garoto encontrou, por mérito próprio, o caminho que não havia recebido dos pais. Mas olha de um lado para o outro, mostrando que está perdido diante das novas possibilidades da vida. O filme termina com Doinel olhando para a câmera, como quem pergunta para o espectador: o que eu faço agora?

Nouvelle Vague

Entre um filme e outro, nada impede que conversemos sobre a história do cinema, seus diretores e suas curiosidades...

Entre os anos quarenta e cinqüenta, o cinema francês se parecia muito com um teatro filmado. Os filmes tinham as falas declamadas e não atraíam o público. Eram, em sua maioria, politizados, lentos, pessimistas e extremamente acadêmicos.

Nos anos 50, um grupo de jovens incomodados com o rumo do cinema na França (entre eles François Truffaut e Jean-Luc Godard), sob a orientação do crítico e teórico André Bazin, passa a freqüentar as salas da cinemateca francesa, com o intuito de assistir filmes durante todo o dia e analisá-los. Para eles, o cinema deveria ter riqueza artística e “ser mais vivo e sintonizado com seu tempo”. Para divulgar essas idéias, André Bazin lançou uma revista chamada Cahiers du Cinéma, que é até hoje a publicação mais respeitada sobre críticas cinematográficas. Surgia aí um dos movimentos mais importantes de todos os tempos, a Nouvelle Vague, o cinema realizado por críticos.

Os idealizadores deste movimento apostavam nas produções de baixo orçamento, na ousadia da linguagem, na pesquisa de uma nova fotografia e, principalmente, numa nova poética. Não lhes interessava retratar os conflitos sociais daquela época (Guerra do Vietnã e independência da Argélia, por exemplo), preferiam aprofundar na questão existencialista de suas personagens. Por esse motivo, foram considerados alienados por muitos, mas provando o contrário, em maio de 1968 pararam o Festival de Cannes em solidariedade aos revoltosos que protestavam em Paris, contra o governo francês.

Com a Nouvelle Vague, a concepção de direção cinematográfica mudou, já que uma das principais idéias (e mais controversas) é a “Política dos Autores”. Se antes o diretor desempenhava apenas o papel técnico de coordenar a filmagem, agora ele deveria mostrar nos filmes a sua visão de mundo e imprimir sua marca, para que quem os assistisse soubesse a que cineasta pertenciam. O diretor seria totalmente responsável pela qualidade do filme. Essa idéia foi contradita por críticos que questionavam a idéia de “diretores sendo vistos como autores” e diziam que os filmes não deveriam levar a marca de uma só pessoa, pois existem varias outras coisas que influenciam no resultado final, como o roteiro, as atuações, entre outros. O fato é que com a “Política dos Autores”, cada integrante do movimento seguiu um rumo diferente, pois todo diretor tinha suas particularidades e não desejava que seus filmes fossem parecidos com os de outras pessoas.

Exemplificando muito bem a Nouvelle Vague, cito dois diretores cruciais para o movimento: François Truffaut e Jean-Luc Godard. O primeiro, considerado o cineasta do amor, lançou em 1959 o filme “Os Incompreendidos”, que surpreendeu o Festival de Cannes e levou o prêmio de melhor direção. Ele conta a história de Antoine Doinel, um pré-adolescente que devido à sua difícil relação com os pais, começa a faltar às aulas para ir ao cinema e cometer pequenos furtos. Já Godard trilhou caminhos opostos quando decidiu que sua marca seria a desconstrução da narrativa cinematográfica. Em seus filmes, ele aparece lendo textos, a câmera é vista de relance e vozes são ouvidas em off. A exemplo, “Alphaville” de 1964, que diz respeito de uma cidade onde os sentimentos foram abolidos. Ambos os diretores ousaram fazer um cinema moderno e nunca visto antes, que refletiria na poética cinematográfica brasileira.