"O Cinema Fabrica Lembranças"

Bergman

2011-02-21T08:43:00.000-08:00

"Filme como sonho, filme como música. Nenhuma outra forma de expressão artística é capaz, como o cinema, de vir ao encontro dos nossos sentimentos, penetrar nos recantos mais obscuros da nossa alma."
"Segredos para os quais não existem palavras e que só a cinematografia pode patentear" - Ingmar Bergman - Mestre, meu mestre querido

Cineclube Escola da Serra

2010-07-05T15:01:00.000-07:00

Laranja Mecânica

Meus Queridos,

No dia 08/07 (próxima quinta-feira) teremos um pouco de ‘ultraviolência’ no Cineclube Escola da Serra com o filme “Laranja Mecânica”, obra-prima do mestre Stanley Kubrick. Ele conta a história de Alex, um delinqüente juvenil que, após cometer acidentalmente um homicídio, é iniciado num sistema de lavagem cerebral para a reintrodução na sociedade. Após a sessão haverá debate.

Evento: Laranja Mecânica

Direção: Stanley Kubrick

Duração: 136’

Censura: 18 anos

Data: 08/07/2010

Hora: 18h30

Local: Auditório da Escola da Serra (Rua do Ouro, 1900, Serra)

*Quem se encontrar abaixo da censura deverá levar uma autorização assinada por um responsável.

Cineclube Escola da Serra

2010-06-15T18:20:00.000-07:00

Senhores,
Em junho, mês do cinema brasileiro, realizaremos a 4ª edição do Cineclube Escola da Serra, exibindo o filme “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, considerado por muitos o melhor filme nacional de todos os tempos. Ele conta a história de um nordestino que, após matar seu patrão, se junta a um bando de cangaceiros.

Evento: Deus e o Diabo na Terra do Sol
Direção: Glauber Rocha
Duração: 120’
Censura: 14 anos
Data: 17/06/2010
Hora: 19h
Local: Auditório da Escola da Serra (Rua do Ouro, 1900, Serra)
Informações: 9631-7483

*Quem se encontrar abaixo da censura deverá levar uma autorização assinada por um responsável.

Decálogo I - Amarás a Deus Sobre Todas as Coisas

2010-05-27T16:12:00.001-07:00

O primeiro episódio d’O Decálogo é iniciado com a única personagem que aparecerá em todos os capítulos. Tido como anjo, santo ou até mesmo diabo, trata-se de um homem que observa, zela e vigia em seu silêncio.

Existe, claramente, uma dicotomia entre ciência e religião. É o que o diretor nos apresenta nesse início de minissérie. Uma criança se divide entre o pensamento lógico do pai e as crenças da tia. “Atormentado” pelo amor de uma mãe ausente, o menino procura o que nós procuramos nas religiões: abrigo,apoio e conforto. A busca pela fé não deixa de ser o desejo de uma vida mais fácil, com menos sofrimento. Coloca-se a culpa de tudo em Deus, assim como nele é depositada a confiança e a promessa reconfortante de uma nova existência após a morte.

O garoto, completamente espavorido pela idéia racional do nosso fim biológico dita pelo pai (o coração pára de bombear sangue para o cérebro), é abraçado e reconfortado pela possibilidade mística de partir desse mundo e continuar vivendo. As religiões nada mais são do que tentativas de driblar a morte. Temos necessidade de deixar algo para trás: uma boa lembrança ou uma obra a ser memorada. É o que fica da nossa temporada no mundo, o resto passa. A criança, tratada como um adulto com todas as suas responsabilidades e demasiadamente atormentada para a sua idade, representa o dilema de todo ser humano que se preze: a angústia, pois só se é homem quando se angustia e questiona.

Durante o filme, vemos as certezas inabaláveis colocadas à prova. O pai se questiona sobre a possibilidade de explicação para todas as coisas, como na cena em que, como num sinal metafísico, um pote de tinta derrama em uma folha, revelando certa preocupação com o lago congelado. O progenitor é culpado por não impor limites ao filho, o que virá em forma de castigo quando o corpo do menino for retirado inerte do gelo e o “Santo Zelador” já não estiver mais ocupando seu posto.

O computador, na película, representa outra grande polêmica: o advento da tecnologia. Por vezes ele parece ter vontade própria, por outras parece determinar o destino das personagens, já que é por ele que o pai deduz que a camada congelada estava suficientemente grossa para ser patinada. Isso incita, inclusive, a existência de uma alma para o artificial, já que sua inteligência não nos é totalmente explicitada, mas ocupa, sem dúvida, lugar privilegiado nos questionamentos do garoto. Como exemplo, a existência (ou não) do nosso livre arbítrio.

Os valores cristãos ditados pela tia (Deus existe) são confrontados com a quebra da moral defendida pelo pai (Não há alma). Em nenhum momento uma personagem se julga melhor que a outra, pois não há esse parâmetro, já que se tratam apenas de linhas diferentes de pensamento.

Para minha crítica, que sou ateu, ao final percebemos a parcialidade genial do diretor. Há uma pequena vitória, não de Deus ou das crenças, mas da crítica ao pensando lógico (em que tudo pode ser explicado pela ciência). A criança é retirada morta do lago e todos se ajoelham. Só resta seu registro eterno numa reportagem de TV.

Nota: Decálogo - Krzysztof Kieslowski

2010-05-26T15:37:00.000-07:00

Em 1988, Kieslowski realizou a obra que o consagrou internacionalmente: O Decálogo.
Uma minissérie para TV dividida em dez episódios que narram estórias passadas num mesmo condomínio residencial de Varsóvia.
Baseando-se nos dez mandamentos, o diretor questiona os nossos valores morais e a nossa conduta, transportando essas regras de comportamento milenares para os dias atuais.
Dois capítulos se transformaram nos filmes "Não Amarás" e "Não Matarás", que concorreram no Festival de Cannes e impulsionaram a carreira de Krzysztof para o mundo, tornado-o um dos grandes e lendários diretores da história do cinema.

Cineclube Escola da Serra

2010-05-17T14:56:00.000-07:00

Meus queridos,
Na próxima quinta-feira (20/05) o Cineclube Escola da Serra irá exibir o filme “Gritos e Sussurros”, do mestre Ingmar Bergman. Ele conta a estória de quatro mulheres encerradas numa casa de campo para cuidados de uma enferma em estágio terminal. Realidade e fantasia se misturam à medida que acompanhamos as lembranças das personagens e descobrimos as frustrações de cada uma. Uma profunda discussão sobre as angústias humanas. A sessão será comentada e seguida de debate.
“Gritos e Sussurros é daquelas raras experiências que um espectador carrega por toda a sua existência”

Duração do filme: 106’
Censura: 18 anos
Data: 20/05/2010
Hora: 18h30
Local: Auditório da Escola da Serra (Rua do Ouro, 1900, Serra)

*Quem se encontrar abaixo da censura deverá levar uma autorização assinada por um responsável

Jules e Jim - François Truffaut

2010-05-02T08:52:00.000-07:00

“Você me disse: ‘Eu te amo’

E eu: ‘Espere’

Eu ia dizer: ‘Possua-me’

Você disse: ‘Vá!’”

Em 1962, François Truffaut realizou uma das maiores obras-primas da sua carreira e o melhor filme de amor de todos os tempos: “Jules e Jim – Uma Mulher Para Dois”. Conta a estória da amizade entre dois homens de países diferentes, desde seu início até o trágico fim. Jules é um alemão que mora em Paris e não tem muito sucesso entre as mulheres. Jim é um Francês que vive rodeado de namoradas. Um dia eles tomam conhecimento da estátua de um rosto de mulher muito antiga, preservada num museu. A peça os impressiona de tal forma que eles se apaixonam por ela e decidem seguir seu sorriso por onde quer que vá.

É nesse ponto que eles conhecem Catherine, uma mulher que se comporta estranhamente para sua época, mas, por se parecer com a tal estátua, se torna irresistível. O filme ostenta a rebeldia presente na juventude dos anos 60, embora se passe na década de 10. Não é apenas uma rebeldia política, e sim, uma tentativa de cambiar os padrões até então vigentes. São os reflexos de uma ‘juventude transviada’ transportados para a época em que se passa a estória. Truffaut teve uma infância difícil. A ausência de amor e referências parentais fez com que ele se tornasse um ‘incompreendido’. Furtava para pagar seus ingressos no cinema. Daí vem a vontade de transgredir, presente em vários filmes de sua vida. Em “Jules e Jim”, isso se manifesta intensamente e sob vários aspectos. A fotografia, por exemplo, dita o ritmo frenético da película. É ousada e diferenciada, assim como a música (hora forte, hora suave), que acentua a relação de contraste e inconstância entre as personagens. A narração contribui para o clima ligeiro, porém romântico que o filme adquire.

Catherine é uma mulher inconstante e impulsiva. Com ela, o trio começa a se aventurar nas “trapaças” da vida, o que se convencionou a chamar de amor livre. Cinematograficamente, é uma verdadeira e intensa exploração dos sentidos: cheiros, visões, sons, sabores e outros. Trata-se de uma experimentação de tudo: da vida, do sexo e da paixão. Na tela há uma explosão de estímulos. A película representa uma abertura sexual nunca antes vista no cinema. A troca entre os papéis do homem e da mulher. O famoso “Turbilhão da Vida” de Truffaut.

Difícil de ser descrita (até porque se trata de audiovisual), a beleza é construída através dos detalhes. Foi a primeira vez que se falou tão abertamente em ménage e triângulo amoroso. Nesse ponto, o filme nos remete à “Bande à Part”, uma das grandes obras-primas de Godard (ou “o filme de Godard para quem não gosta de Godard”, para os íntimos). Aos poucos, os protagonistas desenvolvem uma forte relação de dependência, própria da paixão, porém com a forma mais profunda de ciúme que ela acompanha. O amor entre os três se torna obsessivo.

Catherine adora ser bajulada, mas nunca dá o braço a torcer. Quando não recebe atenção, muda seu temperamento, demonstrando hostilidade. Os homens, no seu fascínio, não percebem o jogo no qual estão se envolvendo e atendem a todas as vontades da mulher. Todos estão numa constante busca por uma liberdade idealizada, na mudança dos padrões da sociedade e na quebra de regras.

Estoura a Primeira Guerra Mundial e, com ela, é consumada a separação das três personagens principais, que só se verão juntas novamente após o fim das batalhas. Esse longo período é suficiente para esfriar o relacionamento e pôr fim ao “Turbilhão”. Catherine se encontra triste, acorrentada pelo casamento e privada da sua tão sonhada falta de compromisso. Sua inconstância é cada vez maior. A passividade de Jules a incomoda. É aqui que Jim reaparece, suscitando um amor que há muito não aparecia. A angústia da mulher está na dúvida entre os dois amigos. O passar do tempo é rápido, porém quase imperceptível. As personagens não envelhecem fisicamente, e sim na “alma”.

Após a linda cena em que Jeanne Moreau canta na presença das protagonistas, vemos o retorno de um breve ápice do grande “Turbilhão”, mas que não se mostra tão verdadeiro quanto o primeiro. Os “vais-e-vens” da estória determinam de vez o fim da rebeldia, da transgressão, da trapaça e da impulsão. Jules e Jim já não amam mais Catherine, mas continuam com ela por pura comodidade, por medo da mudança. Tratam-na como uma deusa que precisa ser sempre adorada. Quando a mulher o percebe, é necessário reinventar a paixão. Sua busca pela liberdade nunca pode cessar, sendo que ela se materializa na opção pelo suicídio e pelo assassinato de Jim. ‘A liberdade da morte’, que desemboca na bela seqüencia final da cremação dos corpos.

Má Educação - Pedro Almodóvar

2010-04-24T11:30:00.000-07:00

“Má Educação” é um dos filmes mais vertiginosos da carreira de Almodóvar. Ele conta a estória de Enrique e Ignácio, duas crianças que se apaixonam, se separam e se reencontram muitos anos depois.

Já pela abertura do filme, reconhecemos o processo autoral do diretor. O vermelho forte, a música e as imagens quase caricaturais. Como não podia deixar de ser, temos outra vez a metalinguagem. Enrique é um diretor que está no meio de um bloqueio criativo. Ele passa o dia selecionando notícias interessantes nos jornais, para que lhe ocorra alguma idéia. É nesse momento que Ignácio, uma velha paixão da juventude, toca a campainha. O amor dos dois vem dos tempos das primeiras experiências e da idealização.

O roteiro “A Visita”, que Ignácio escrevera, é uma recapitulação de sua infância e uma criação fantasiosa de como ele queria que sua vida adulta fosse. Uma expressão de fantasias ridículas e absurdas, mas que nos agradam quando pensamos nelas. São ânsias e desejos que dizem respeito ao momento do reencontro de ambos os apaixonados, mais uma vez idealizado. Vale ressaltar que Almodóvar diferencia a estória real do filme da do roteiro alternando widescreen e fullscreen.

Nos é apresentada a existência de Padre Manolo, um pedófilo que abusava sexualmente de Ignácio e que foi o responsável pela separação dos protagonistas.

“- Por minha culpa

- Por sua culpa

-Por minha culpa

-Por sua culpa

-Por minha máxima culpa”

O sangue desce pela testa de Ignácio, dividindo-a em duas, assim como o faz com sua vida.

Mais uma vez o diretor nos coloca temas polêmicos e os discute com naturalidade. Nesse caso, temos novamente a homossexualidade, os travestis, o uso de drogas e o abuso sexual de menores. Numa crítica à igreja, Almodóvar faz uma alusão a uma velha prática da primeira metade do século passado. Quando alguém desconfiava que havia um jovem homossexual na família, mandava-o para o seminário, onde se livraria do “dever” social do casamento. Lá, ele sofria abusos de padres mais velhos que também haviam chegado ali pelos mesmos motivos, traumatizando-o. Assim, quando crescesse, o jovem provavelmente se tornaria pedófilo, assim como os outros, e abusaria dos novos adolescentes que entrassem no seminário, tornado-se um ciclo.

Apaixonados, os garotos se tocam pela primeira vez num cinema. Enrique se diz hedonista. Muitos criticaram o filme por tratar de crianças pervertidas, mas a homossexualidade é sentida desde a infância. O processo de experimentação e descoberta do movimento sexual é similar para heterossexuais e gays. Vemos, nos garotos do filme, as mesmas coisas que vemos em nós mesmos quando nos apaixonamos pela primeira vez. Como na linda cena que um gol é errado de propósito. Nós nos reconhecemos neles. Isso é uma coisa universal, não importa a nossa orientação sexual. O diferencial, no filme, é unicamente os traumas sofridos pelos garotos por causa dos abusos do Padre Manolo e pela separação violenta.

A cena na piscina pode ser encarada como apelativa, mas deve ser entendida como um avanço na quebra de tabus e na aceitação da homossexualidade. Trata-se de certa abertura sexual. Foi a primeira vez que um filme com um alcance de nível internacional ousou tão profundamente numa cena erótica entre homens. Outros vieram depois.

A dificuldade que Enrique tem em chamar Ignácio pelo seu nome artístico demonstra sua desconfiança. O sexo simboliza a busca daquele pela verdadeira identidade deste e sua curiosidade. Mostrando que não podemos fugir de quem nós somos, Angel é desmascarado. Descobrimos que ele não era Ignácio, e sim Juan, seu irmão.

“A Visita” termina assim como termina o filme, com Ignácio morto.

“Não temos testemunhas, apenas Deus, mas ele está do nosso lado.” Dizem os assassinos, padres divulgadores dos interesses da igreja.

Juan é, de fato, um grande ator. Pela forma com que usa Padre Manolo e pela facilidade com que engana Enrique. O final não podia ser menos “almodovariano”. A perseguição obsessiva entre as personagens termina de forma trágica e o protagonista continua a fazer cinema com a mesma “paixão”. As citações cinematográficas, muito ricas nessa película, caracterizam um estilo que se estende até os dias de hoje. A trilha sonora é sempre magnífica e a fotografia tem seus grandes momentos. Apesar de não estar entre os melhores da carreira do diretor, “Má Educação” é sedutor e talvez encante pela beleza, sensibilidade e naturalidade com que trata de temas que costumamos julgar tão mal.

Pedro Almodóvar

2010-04-23T09:39:00.000-07:00

Almodóvar começou sua carreira na Espanha como a representação do movimento “La Movida Madrileña” na sétima arte. “La movida” se concretizou nas capitais no final da década de 70, após a morte do ditador Franco. O clima era de liberdade. Após anos tão densos, ninguém queria fazer arte com compromisso político. A idéia era de libertação, de prazer e de aproveitar a vida. Assim, vieram obras muito coloridas e vívidas. Também era um tempo de abertura sexual. A mulher ganhava mais destaque no contexto da Espanha e começava um processo de aceitação da homossexualidade.
Nesse âmbito, o diretor ganhava fama. Suas estórias eram baseadas nos tempos em que fora funcionário público e drag queen. Sua carreira se divide em duas principais partes: a década de 80, quando fazia comédias escrachadas, porém com grande refinamento. A exemplo, “Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas del Montón”, “Maus Hábitos” e “Que Fiz eu Para Merecer Isso?” Já a segunda fase, é marcada por uma preocupação em discutir a condição humana, sem nunca abandonar os elementos de comédia. O resultado são filmes de intensa dramaticidade sobre assuntos que tocam a todos nós. Identificamos-nos com eles, de uma forma ou de outra. Destes, podemos citar “Tudo Sobre Minha Mãe” (vencedor do Oscar), “Fale com Ela” e o mais recente “Os Abraços Partidos”.
Seus assuntos sempre foram polêmicos. Sua capacidade de discutir temas tabus com grande naturalidade sempre foi seu forte. Dentre os assuntos recorrentes encontram-se a homossexualidade, os travestis, o uso de drogas, a doação de órgãos e o que tomamos como valores morais. As situações absurdas encontradas em suas películas o permitem discutir suas questões profundamente, porém de forma divertida e emocionante ao mesmo tempo. Sem nunca abandonar o humor, Almodóvar nos guia por caminhos contidos em nós mesmos, pelos quais só a arte pode nos acompanhar.

Um Cão Andaluz e o Surrealismo

2010-04-14T15:19:00.000-07:00

“Um Cão Andaluz” é um curta-metragem feito em 1929, por Luis Buñuel e Salvador Dalí. A inovação totalmente desregrada da estética e a falta de preocupação com a montagem cinematográfica rítmica fizeram deste o único filme totalmente bem sucedido na representação do manifesto surrealista no cinema, tornando-o uma referência indispensável para qualquer interessado em arte. Houve, posteriormente, “A Idade do Ouro”, mas que não obteve tanto sucesso quanto seu precursor.

A idéia do filme consistia em partir de um princípio onírico. Escrever um roteiro da mesma matéria abstrata da qual são feitos os sonhos. Qualquer ligação racional entre atos era imediatamente descartada. O curta deveria ser limpo de impressões, críticas, símbolos e significados. O objetivo era causar, de acordo com a cena, o sentimento de repulsa e atração no espectador.

É antiga e natural a relação do cinema com os sonhos. Por meio dele, podemos assumir papéis que jamais assumiríamos na realidade. Exprimimos nossas fantasias.

Freud não se identificava muito com a sétima arte, mas a idéia de filmar o que não sabemos sobre nós mesmos se mostrou imensamente rica naquela época. Quantas vezes nós somos surpreendidos, em nossas experiências oníricas, por planos e cortes cinematográficos? Talvez nosso inconsciente faça o papel do fotógrafo e nós, protagonistas, participamos da ação em primeira ou terceira pessoa.

O automatismo psíquico apresentado no Surrealismo é uma técnica muito criticada nos dias de hoje, mas é onde podemos perceber a relação entre a ideologia de Buñuel e o seu cinema. Escrevendo cenas aparentemente sem nexo, ele criticava as produções extremamente racionais da década de 20 (próprias de uma arte que está buscando sua linguagem), afinal, como pode a arte ser algo puramente racional?

“Nada, no filme, simboliza qualquer coisa. O único método de investigação dos símbolos seria, talvez, a psicanálise”

Luís Buñuel

Dalí e Buñuel se desentenderam e seguiram caminhos completamente diferentes. Hoje dispensamos tempo para fazer análises semióticas desse filme e imaginar o que escondia o inconsciente dessas duas grandes personalidades. Na verdade, trata-se de uma obra apreciável apenas individualmente e que nos toca de forma diferente a cada vez que assistimos. Como exemplo, é absolutamente pessoal a “descrição audiovisual” da antológica cena em que um homem corta, com uma navalha, o olho de uma mulher. Lembramos de forma diferente pois a nossa memória inventa de forma diferente, assim como também nunca é igual a forma de recorrermos a ela.

Central do Brasil - Walter Salles

2010-03-28T09:37:00.001-07:00

Lançado em 1998, Central do Brasil foi um filme que marcou época no cinema nacional, tanto por sua qualidade artística quanto por uma apuração técnica nunca antes vista no nosso país.

Dora é uma professora aposentada que ganha dinheiro escrevendo cartas para analfabetos na Central do Brasil, mas ao invés de colocá-las no correio, ela as rasga (as cenas dos depoimentos são mescladas com atores e pessoas reais). Sua amiga, Irene, a ajuda nessa empreitada. Juntas elas formam uma dupla de ex-educadoras solteironas e rejeitadas. Certa vez, aparece uma senhora chamada Ana, com o desejo de escrever uma carta para seu ex-marido, Jesus:

“Jesus, você foi a pior coisa que já me aconteceu. Só escrevo porque seu filho, Josué, me pediu e pôs na idéia que quer te conhecer.”

Na verdade, o que Ana realmente queria era rever seu marido, por ter criado a conhecida relação de dependência que leva tantas mulheres a se sujeitarem aos maus-tratos dos esposos.

A mãe de Josué morre atropelada, e este fica completamente sozinho no mundo, sendo que é apenas uma criança. O garoto é mimado e autoritário, mas Dora sente pena dele e o leva para casa. Ela, com a ajuda de um policial corrupto que só pensa em si e age pelas próprias leis, vende o menino para um abrigo que, conhecidamente, trafica órgãos de crianças. O remorso que sente é enorme, por isso decide “roubar” Josué.

Devido à situação delicada em que se encontra, Dora se vê obrigada a fugir para Bom Jesus do Norte com o intuito de entregar o garoto nas mãos de seu verdadeiro pai.

“Como eles sabem que há mil metros num quilômetro?” – Josué

“Eles inventam” – Dora

A viagem para Pernambuco é longa e, à medida que o tempo passa, descobrimos que a história de Dora se parece muito com a de Josué. As mães de ambos morreram cedo e ambas sofreram com a submissão existente quanto à autoridade do pai (assunto que envolve traição, separação e violência). A senhora acha que pode aplicar suas próprias experiências de vida na situação do menino. Pensa que ele está fadado a viver o mesmo que ela viveu.

À medida que as personagens principais adentram no interior do país, a fotografia se torna amarelada, da cor do sertão. O dinheiro fica cada vez mais escasso, o que leva a sucessivas artimanhas para matar a fome, inclusive o roubo.

Dora é uma mulher com um histórico de rejeição que começou quando era criança, com seu pai. Ela passa a se sentir atraída pelo caminhoneiro que, na ocasião, os dava carona. Por ser homossexual, ele não a corresponde, e isso acaba se tornando mais um peso na vida de Dora, pois é acometida por um sentimento de abandono. Ela não é nem um pouco vaidosa, nem cuida de si mesma. Isso é explicitado numa cena em que sua dificuldade ao passar batom é visível.

Nessa altura do filme, as expectativas de ambos os protagonistas estão frustradas. Josué chega ao seu destino, mas descobre que seu pai se mudara há muito. Ao ver a realidade, o garoto chora. Toda a idealização de um pai perfeito cai por terra. O novo conceito é de um pai que bebe, que é pobre e que não se sabe seu paradeiro no mundo.

Em alguns momentos a película nos lembra “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, como na cena da romaria, a situação limite das personagens principais, em que o menino se perde de Dora. Ela o procura por toda parte mas, no final, Dora é que precisa ser encontrada, e Josué o faz com grande sabedoria. O garoto é, na verdade, a salvação da escrevedora de cartas.

Voltando a registrar os depoimentos de uma gente, o filme resgata a identidade de um Brasil que nem sempre é o que estamos acostumados a ver. São retratos de um povo apresentados com maestria pelo diretor. Há, na película, destinatários de todo o nosso grande país. O centro do Brasil muda do espaço urbano (exemplificado pelo metrô e seus surfistas) para o sertão.

Desta vez, ao invés das cartas serem rasgadas, são enviadas ao correio, numa demonstração da mudança de Dora, por causa do contato com Josué.

Os protagonistas, após mais uma tentativa fracassada de encontrar Jesus, decidem ficar juntos. A verdade é que a senhora se reconhece no menino e se identifica com a sua busca. Mas um encontro não previsto irá mudar totalmente a vida dos dois: Os irmãos de Josué explicam-lhe toda a história ocorrida na família. Havia uma carta escrita pelo pai, chegada há seis meses, a qual não tinham se atrevido a abrir. Dora lê.

“E um dia, estaremos unidos de novo: eu, Ana, Moisés e Isaías”

Ela completa: “E Josué, que eu quero tanto conhecer”. Essa última frase não estava escrita na carta, mas foi uma mentira necessária para que as expectativas e sonhos da criança não fossem dizimados, e que não fossem causados maiores danos à auto-estima de Josué.

Depois de tanto procurar, descobre-se que o pai estava muito perto de Ana desde o início da busca.

Ao final, Dora acorda cedo, veste o vestido que havia ganhado de presente de Josué e se maquia, num primeiro sinal de vaidade. Pega o ônibus de volta para o Rio de Janeiro ao mesmo tempo em que escreve uma carta para seu amigo e filho adotivo. Ela admite ter boas lembranças de seu pai. Diz que ficar com os irmãos será melhor para o garoto. Revela ter receio da despedida. Tem medo de que Josué a esqueça um dia. O garoto corre desesperado atrás do ônibus, embalado pela linda trilha sonora.

“Tenho saudades do meu pai

Tenho saudades de tudo

Dora”

Cineclube Escola da Serra

2010-03-20T06:12:00.000-07:00

Num movimento que os convida à discussão do cinema como arte, o “Cineclube Escola da Serra” se propõe a homenagear, todo mês, um grande diretor da história da sétima arte, exibindo um filme a cada cineasta selecionado. A sessão será comentada e, em seguida, aberta para o debate com convidados e o público.

Jovens que se encontrarem abaixo da faixa etária sugerida pela censura, deverão trazer de casa uma autorização assinada por um responsável.

Os eventos se realizarão às 18h30, no auditório da Escola da Serra, Rua do Ouro, 1900, bairro Serra.

A entrada é franca.

Segue abaixo a programação do ano:

25/03 – O Passageiro – Profissão: Repórter (Michelangelo Antonioni) – 14 anos

22/04 – Tudo Sobre Minha Mãe (Pedro Almodóvar) – 14 anos

20/05 – Gritos e Sussurros (Ingmar Bergman) – 18 anos

17/06 – Deus e o Diabo na Terra do Sol (Glauber Rocha) – 14 anos

08/07 – Laranja Mecânica (Stanley Kubrick) – 18 anos

19/08 – A Dupla Vida de Véronique (Krzysztof Kieslowski) – 16 anos

23/09 – Jules e Jim – Uma Mulher Para Dois (François Truffaut) – 16 anos

21/10 – Roma, Cidade Aberta (Roberto Rossellini) – 14 anos

18/11 – O Sacrifício (Andrei Tarkovsky)

09/12 – O Alucinado (Luis Buñuel) – 14 anos

*A programação está sujeita a mudanças

Curadoria: Felipe de Oliveira

O Passageiro - Profissão: Repórter (Michelangelo Antonioni)

2010-03-15T16:31:00.000-07:00

Considerado uma das grandes obras-primas do mestre Antonioni, “O Passageiro” apresenta uma apuração técnica quase perfeita. O filme deixou todos boquiabertos na época de seu lançamento, devido à grande inovação da linguagem cinematográfica.

A estória contada é a de David Locke, um repórter que está hospedado na África com o objetivo de filmar um documentário sobre guerrilha. Sua solidão e a falta de tato para a comunicação (dois dos temas preferidos do diretor) são intensificadas por desertos e outras vastas paisagens, além da dificuldade de se expressar e compreender uma língua que não é sua. Isso acaba por nos remeter ao filme “O Deserto Vermelho”, apesar deste se passar quase todo num espaço urbano.

A trajetória de Locke começa quando ele encontra o corpo de seu vizinho de quarto, David Robertson, um homem misterioso que reluta em revelar os feitos de sua vida. Há uma notável cena em que a câmera se direciona para o ventilador e, quando se volta para Locke, ele aparece vestindo a camisa de Robertson. Esse é o momento em que a personagem principal decide, num impulso, trocar de identidade com o morto. A partir daí, o protagonista guia seus dias pela agenda do falecido.

Para a compreensão do filme, é importantíssimo que se preste atenção em duas coisas: o som e os detalhes. Os detalhes escondem peças essenciais para o entendimento do todo, e o som, além de nos dar pistas, é usado com maestria como um elemento dramático fortíssimo. A fotografia é repleta de travelings invejáveis, que brincam, a todo o tempo, com os flashbacks reveladores construídos pelo diretor. Aprendemos mais com os sinais implícitos do que com as falas das personagens.

A atitude impulsiva, mostrada no filme, desemboca numa reflexão sobre o nosso cotidiano e sobre como nos condicionamos a traduzir e interpretar situações sempre da mesma maneira. Nosso dia-a-dia é o que esperamos que ele seja e, mesmo que nos incomode, não fazemos muita coisa para mudá-lo. Apesar disso, o desconhecido é uma das coisas que mais nos inebriam, atraem e motivam.

Aos poucos, Locke toma um conhecimento maior da vida de Robertson. Descobre, por exemplo, que ele mantinha um romance homossexual e que era traficante de armas. Assim, o protagonista encontra-se na difícil situação de fornecê-las para os guerrilheiros africanos, que eram o tema de seu documentário. A película se torna muito politizada, mostrando o totalitarismo e a falta de liberdade de expressão, sendo que chega a mesclar a história fictícia do filme com uma cena real da execução de um guerrilheiro.

Vendo-se no centro de um emaranhado de possibilidades difícil de ser desfeito, a personagem principal sente que corre risco de vida, o que a faz se esconder nas grandes e sombrias construções de Gaudí. É numa delas que ele se depara com uma mulher atraente por quem irá se apaixonar mais adiante, cujo nome nunca é revelando. A mulher se torna sua cúmplice, ajudando-o a encontrar uma saída de seu turbilhão, sem que fosse preso ou morto.

Nessa altura da película, entendemos porque Locke decidiu trocar de identidade. Ele quis fugir de tudo que havia deixado para trás: sua mulher, seu emprego e seus amigos. Mas chegou à conclusão de que é muito difícil deixar os hábitos deveras, assim como também o é à nossa personalidade.

O protagonista chega a um ponto em que questiona a capacidade do ser humano de mudar o que ele é. “Só há um ‘eu’” – diz ele. Ainda assim percebemos mudanças no seu comportamento, como seu egocentrismo (exemplificado numa cena em que o entrevistado vira a câmera para o entrevistador, que por sua vez a desliga) que, gradativamente, se transforma. Seus gostos mudam, assim como sua forma de olhar para a vida.

Quando chegamos aos últimos minutos do filme, temos a impressão de que toda a película foi apenas uma preparação para o que vem em seguida: o grande, magnífico e derradeiro final. Um plano-seqüência enigmático e perfeito, com sete minutos de duração. A câmera se aproxima, vagarosamente, da janela do quarto em que Locke está hospedado. Do lado de fora, é possível ver um garotinho jogar uma pedra num cego, a “mulher-sem-nome” atravessar a rua e o táxi Andalucía passar de um lado a outro da paisagem enquanto um estranho carro é estacionado. Dele, descem dois homens: um negro e um branco. O primeiro se dirige ao hotel enquanto o outro vigia a entrada. A câmera é deslocada para a direita, onde se pode ver o reflexo do homem negro num vidro. Ele aponta, supostamente, uma arma para Locke. Um tiro é abafado pelo barulho da aceleração de um carro. A polícia chega. Num movimento misterioso que até hoje não foi totalmente desvendado, a objetiva passa por entre as grades da janela e continuar a filmar do lado de fora. A câmera gira no pátio externo até se voltar para o quarto novamente, mas dessa vez num outro ângulo. Estão enquadrados a mulher-amante, policiais, o dono do hotel, o corpo inerte de Locke e sua esposa. Alguém pergunta à cônjuge de David: “Você reconhece esse homem?” Ela responde que não. A mesma pergunta é feita à amante, que responde que sim.

Não creio que a esposa estivesse mentindo. O ponto é que o protagonista se perdeu no labirinto de suas duas identidades, não sabia mais quem ele era. Seu “eu” se modificou de forma tal que seu rosto se tornou irreconhecível (metaforicamente) até mesmo para seus entes íntimos. Só foi possível sua identificação pela pessoa que acompanhou seu processo de busca da real personalidade. Acima de tudo, nos restam duas questões: a certeza de que somos quem nós construímos durante toda uma existência, e a dúvida em saber se isso pode ser mudado.

Gritos e Sussurros - Ingmar Bergman

2010-03-03T16:46:00.000-08:00

“Gritos e Sussurros é daquelas raras experiências que um espectador carrega por toda a sua existência” – disse Luiz Carlos Merten, d’O Estado de São Paulo. Devo dizer que concordo inteiramente com suas palavras e completo que esse é um dos mais complexos filmes da carreira de Ingmar Bergman e, por estarmos falando de arte, jamais deve ser totalmente racionalizado.

Aponto, em princípio, à marcante presença do tempo. Agnes, a primeira personagem a ser mostrada, tem seus dias contados, pois é consumida por uma doença terminal que provoca incríveis dores em seu corpo. O intenso e não correspondido amor por sua mãe (morta há mais de vinte anos) causou grandes danos à sua formação psicológica, o que se manifesta na forma de lidar com a doença. No decorrer da película, acompanhamos a estória de mais três mulheres que moram na mesma casa que Agnes (duas das quais são suas irmãs): Karin, Maria e Anna.

Karin é uma mulher amargurada que deseja, mesmo inconscientemente, ter sempre um fardo para carregar, um motivo para reclamar da vida. Ela teme o afeto, vive fugindo das pessoas e, por isso, não ama ninguém. Até o toque físico a incomoda.

O sexo sempre foi sinônimo de culpa na nossa sociedade, mas para Karin esse sentimento parece intensificado. Ela é casada com um homem arrogante que não lhe dá valor e, em nome do propósito de desestimular o marido, a personagem chega ao ponto de inserir um caco de vidro na própria vagina para não se ver obrigada a transar com ele.

Maria é uma mulher desiludida, pois foi frustrada na tentativa de se sentir desejada. A indiferença, a impaciência e o tédio tomaram conta da sua vida desde então. Seu recuo diante da responsabilidade de ajudar a irmã na hora da morte, exemplifica seu egoísmo. Interpretada pela maravilhosa Liv Ullman, a personagem apresenta enorme semelhança com a mãe, que fora extremamente solitária.

Anna é uma serviçal que carrega um acontecimento trágico na memória: a morte de sua filha, falecida na juventude. Por isso a personagem se sente grata por ter alguém para cuidar, sendo a única que dispensa uma atenção real à Agnes. Ambas nutrem uma relação de dependência, evidenciada em momentos que insinuam um contato hora materno, hora homossexual.

É curiosa a forma como as frustrações dessas quatro mulheres estão diretamente relacionadas à casa onde passaram a infância. Nela, sussurros se manifestam nas horas de flashback, inundadas por um vermelho (segundo Bergman, a cor da alma) sangue que é abusado em toda a belíssima fotografia, criada pelo genial Sven Nykvist. Gritos são ouvidos da enferma e das dores de cada uma das irmãs. O cenário é vasto e grandioso, mas não deixa de sugerir um ambiente claustrofóbico, intensificado pelos longos momentos de silêncio e pela escuridão que permeia o filme, o que causa um clima mórbido, conhecido como a marca registrada do diretor.

A doença vence Agnes, que morre com muito sofrimento, numa cena visualmente fantástica na qual a iluminação enegrece à medida que a vida se esvai do seu corpo. A questão que nos vem à cabeça é: “o que é viver com dignidade?”

Com a morte da doente, Karin e Maria percebem que têm uma relação demasiadamente estranha. A primeira tem medo de se deixar envolver. Ambas têm muitas lembranças em comum, mas só se dispõe a conversar sobre banalidades. Numa das cenas mais lindas do filme, Karin grita: “Maria, olhe para mim!” e o som ambiente dá lugar a uma música belíssima. Em seguida vemos os lábios das irmãs se mexendo, mas não conseguimos escutar suas vozes. Suas mãos se tocam, uma à outra. É o momento em que elas, pela primeira e única vez, conversam verdadeiramente, se descobrem, se conhecem e se tateiam. A pauta da inusitada confraternização é obscura para o espectador, mas não importa. Por um momento, elas parecem felizes. Nós, seres humanos, definitivamente precisamos do outro para a nossa afirmação, seja um namorado (a), amigo (a), parente ou terceiros.

Bergman se vale de seus conhecimentos sobre a mente humana para criar um drama totalmente psicológico e atemporal, que reflete sobre temas como a dignidade, o homem e as nossas angústias. Além disso, o filme é repleto de críticas sutis, como o momento em que Anna, após rezar fervorosamente, morde uma maçã (o ato questiona a autenticidade de ter fé pelo simples fato de temer Deus).

Ao final do filme, o real dá lugar ao imaginário (coisa que voltará a acontecer no longa-metragem Fanny e Alexander). Anna escuta o choro de um bebê, provavelmente sua filha, enquanto se direciona ao quarto da mulher falecida. À porta, catatônicas, estão Maria e Karin. Ambas tentam dizer algo, mas não conseguem. Estão incapacitadas, apáticas. No interior do cômodo, deitada, já no início do estado de putrefação, se encontra Agnes, de olhos fechados. Mas algo sobrenatural acontece: duas lágrimas escorrem-lhe pelo rosto. Percebemos que, mesmo morta e cansada, a mulher não havia conseguido deixar suas pessoas amadas. Ela conta o motivo da volta dizendo que, ironicamente, não consegue dormir. Sua voz ecoa, mas seus lábios não se movimentam.

“Agnes chama Karin” – anuncia Anna, mas a mulher chamada mal se digna a entrar no quarto, pois sente nojo, não quer se envolver com a morte.

“Agnes chama Maria” – torna a dizer Anna, mas dessa vez à irmã que sobrara. Maria entra no quarto e luta para satisfazer as vontades da falecida, que só pedia um pouco de carinho, mas se desespera ao sentir o toque e o beijo gelados do cadáver, deixando o quarto.

Ambas as irmãs tentam justificar, para elas mesmas, a relutância em apoiar um membro da própria família. Uma está acometida pelo asco e a outra pelo medo.

Anna, que até então fora a única a demonstrar algum afeto por Agnes, toma a morta nos braços e despe o próprio seio esquerdo, num movimento extremamente materno que nos lembra a amamentação. A imagem formada é tão bela e impactante que nos dá a impressão de ser uma pintura, cujas cores escurecem, gradativamente.

Depois de uma temporada na casa da infância, chega a hora das irmãs remanescentes irem embora. Após a morte de Agnes, a intolerância, a ingratidão e o egoísmo voltam a predominar na vida de ambas. O toque da alma que haviam experimentado antes, volta a significar apenas o toque superficial da pele. A arrogância se mostra um artifício usado apenas para esconder a insegurança e a baixa auto-estima.

A final de todas as contas, a enferma (que tinha todos os motivos para ser infeliz) foi a única que experimentou a alegria (e talvez até a felicidade), pois só ela amava verdadeiramente as irmãs e se satisfazia em tê-las ao seu lado. Ela viveu uma perfeição momentânea totalmente cabível no seu conceito pessoal, mesmo sabendo ser essa uma idealização efêmera e fugaz da vida.

Sociedade dos Poetas Mortos – Peter Weir

2010-02-14T06:06:00.000-08:00

“Disciplina, tradição, honra, e excelência” são os quatro pilares da academia preparatória “Welton”, (ou, como brincam seus alunos, “Paródia, terror, decadência e excremento”, os quatro novos pilares). É nesse colégio extremamente rígido e tradicional que estuda Neil, um jovem dedicado e estudioso que ainda não sabe o que fará de sua vida após o fim das aulas.

No ano letivo que se inicia, o antigo professor de Inglês decide se aposentar, com isso, entra em cena o professor Keating, que mudará por completo o modo de pensar de seus alunos. Seu ensino se mostra, desde o início, vanguardista e diferenciado, sendo que sua preocupação está em formar homens que saibam pensar por si mesmos, e não adolescentes bitolados em busca de uma vida almejada por seus pais. A princípio, os próprios alunos demonstram resistência, devido ao enorme contraste entre o novo e o que eles estavam habituados (passar o dia estudando coisas que jamais lhes seriam úteis algum dia de suas vidas), mas com o tempo eles cedem ao encanto do novo estilo de aula: livre, prazeroso e, principalmente, rico em aprendizagem.

A relação do filme com a expressão latina “Carpe Diem”, é interessante. Transportado para o português, soaria algo como “colha o dia”. Toda a película se desenvolve em torno dessas palavras, o que causará transtornos mais tarde (mas apenas mais tarde. Por hora, voltemos ao início do filme).

Keating fala da denominada “Sociedade dos Poetas Mortos” para seus alunos, que gostam da idéia e decidem criar uma para si. Toda sexta-feira eles se reúnem para ler poesia no meio da floresta. “Eu queria viver profundamente e tirar toda a essência da vida...” é a frase de iniciação do encontro. A reunião passa a ser um refúgio onde podem escapar da pressão da escola. Pela primeira vez esses jovens sentem que estão fazendo algo em que acreditam e, por ser escondido, têm a sensação de transgressão, própria dos adolescentes (esse clima chega a nos lembrar o maravilhoso “Adeus, Meninos”, de Louis Malle).

“Escrevemos poesia por sermos humanos, e a raça humana está repleta de paixão”

(Frase presente num dos diálogos do filme)

Numa de minhas inferências ao filme, pude perceber (perceber, nunca constatar!) a forte dicotomia entre sobreviver e viver. Os animais irracionais sobrevivem, assim como nós, seres humanos, porém existe um “estado de espírito” (assim o chamemos) que está acima de tudo isso: o “viver”, que só é possível quando acrescentamos a arte à sobrevida. Não pretendo me prolongar em discutir a função da arte (se é que ela existe), por isso direciono as minhas idéias para o contexto da poesia e da arte no filme.

“Saiba onde você está”, diz uma frase que li em algum lugar. Podemos interpretar que essa frase nos fala que devemos nos conhecer e ter uma razoável autoconsciência, pois nossa relação com o mundo depende dela. Procuramos aceitação durante toda a vida: na infância e adolescência com os nossos pais, na juventude com os nossos amigos, na vida adulta com a nossa profissão e assim por diante. Nossa identidade pode estar nessa procura por aceitação. Na morte, quando sobrepomos os papéis que desempenhamos durante a vida, encontramos quem fomos, por isso, o tempo que temos para mudar (se julgar necessário, mas sempre o é) é agora.

O filme nos apresenta uma infinidade de personagens com modos de pensar extremamente diferentes, mas duas me chamaram a atenção: Todd Anderson, um aluno compenetrado, porém extremamente introspectivo e oprimido pela responsabilidade de se igualar ao seu irmão mais velho, que foi o melhor aluno da escola no seu tempo. Todd é o melhor amigo de Neil, a segunda personagem que me chamou atenção, que é também o jovem citado no início do texto e protagonista do filme. Neil é muito criativo e, após ter contato com os métodos de ensino encorajadores de Keating, decide ser ator. Porém seu pai é absurdamente autoritário e acredita que o melhor para seu filho é ser um médico. A rigidez do pai resultará, diretamente, no suicídio do garoto ao final do filme. Suicídio esse que virá de um conflito surgido pela falta de compreensão, pela ausência de conversas e, principalmente, pelo veto do pai com relação à participação de Neil numa peça de teatro amadora. O protagonista insiste e decide atuar escondido (desempenhando o papel do jovem de questionar, não se conformar, transgredir e, claro, tentar modificar), mas acaba sendo descoberto. Nós temos imensa dificuldade em manter e demonstrar nossos ideais na presença de outros. A desconstrução do sonho se dá quando não percebemos que uma mesma situação tem várias faces e que o que é bom para uma pessoa pode não ser para outra.

Por conta dessa tragédia, Keating é demitido. O estímulo da autonomia e a formação humana são reprimidos pela mesmice, pelo orgulho e pela idéia de que o aluno está na escola apenas para ser preparado para a faculdade. Isso é um erro! O estudante deve ser preparado para a vida. O professor tem o dever de guiar o jovem nesta empreitada lhe dando o suporte necessário para, além de construir o conhecimento, agregar valores ao seu caráter.

“O caminho menos andado sempre tem mais espinhos”, diz uma frase que já ouvi de várias pessoas (inúmeras vezes do diretor da minha escola). Acontece assim com todas as idéias. O problema de estar no ideal vanguardista da educação é que há sempre mais empecilhos do que percorrer caminhos que já foram percorridos, mas há a vantagem e a satisfação (também a esperança) de colher os frutos primeiro.

Kieslowski - Morto que te quero Vivo

2010-02-03T08:24:00.000-08:00

Krzysztof Kieslowski foi um diretor polonês que encantou o mundo com seu cinema. Nascido em Varsóvia, começou filmando documentários para depois passar para a ficção. Sua contribuição para a história da sétima arte não se limita à produção de bons filmes. A cinematografia polonesa ganhou o mundo, não só pela genialidade de seus roteiros, como pela perspectiva de um diferente conceito de linguagem. Com Krzrsztof, o cinema viu emergir, ainda mais madura, uma linguagem que criava uma identidade para o audio-visual polonês.

Sua engenhosidade se encontra na forma como ele discute a condição humana, em temas que dizem respeito a todos nós, e nos tocam por isso. Kieslowski sempre dirigiu filmes dignos de atenção, como “Sorte Cega” e “Sem Fim” na década de oitenta, mas este texto se concentrará na fase pós-Decálogo de sua carreira, que foi quando seu nome ficou conhecido no mundo inteiro pela ambição, qualidade e ousadia.

No final da década de 80, Kieslowski realizava uma de suas mais ambiciosas obras: O Decálogo. Trata-se de uma série de dez filmes de cinqüenta minutos feita para a televisão polonesa. Krzysztof transporta os valores contidos nos dez mandamentos e desenvolve uma profundíssima reflexão sobre como estão esses valores nos dias de hoje e como podemos retratá-los. A obra se tornou tão famosa e tão requisitada que o diretor transformou dois de seus episódios em longas metragens: “Não Cometerás Adultério” se tornou “Não Amarás” e “Não Matarás” manteve seu título. Ambos foram enviados para o Festival de Cannes, onde receberam o Prêmio do Júri.

Nessa altura, a forma de Krzysztof filmar seus roteiros mudou. Ele passou a minimizar os diálogos e se concentrar no poder da imagem e das cores. A preparação dos atores era algo muito intenso, pois seu papel era fundamental. Famoso por ser extremamente detalhista e econômico, o diretor se preocupava em escolher minuciosamente os lugares de todos os objetos no cenário. Filmava cada plano apenas duas ou três vezes, pois dizia que, se não havia ficado bom até então, não ficaria jamais.

Devido ao grande sucesso d’O Decálogo, Kieslowski foi chamado para trabalhar na França, onde permaneceria até seu último filme. O primeiro filme dessa “parceria” foi “A Dupla Vida de Véronique”(vide crítica homóloga), seguido pela consagrada “Trilogia das Cores” (vide “A Liberdade é Azul”, A Igualdade é Branca” e “A Fraternidade é Vermelha”), sua última obra.

Nessa fase final, os temas que mais se fazem presentes são o acaso e os “fios invisíveis que ligam as pessoas”. Vemos Kieslowski discorrer durante todo o tempo sobre a falta de controle que temos sobre a nossa vida. Podemos ser determinantes no nosso destino, mas muito mais determinantes são as pessoas que nos cercam, a nossa sorte e os acasos que acontecem na nossa vida. Seu cinema é infinitamente rico e encanta pelas fotografias e trilhas sonoras espetaculares. Talvez ele ainda nos toque pela universalidade e atualidade dos seus temas: solidão, incomunicabilidade, política, amor, entre outros (algo que nos faz cogitar uma relação entre ele, Bergman e Antonioni).

Kieslowski dizia que não acreditava no cinema, que só o fazia por ser a única coisa que sabia fazer no mundo, mas que acreditava piamente nos seus espectadores. Morreu em 1996 após concluir “A Fraternidade é Vermelha”, levado à Cannes para concorrer à Palma de Ouro, porém desbancado por “Pulp Fiction”. Tempo depois, Quentin Tarantino deu uma entrevista dizendo que o “Vermelho” é que deveria ter sido o vencedor, o que concordo inteiramente. Pouco antes de morrer Krzysztof disse, numa coletiva em Cannes que pararia de filmar (já que conhecia a grande fama dos críticos franceses de ascender um cineasta para depois derrubá-lo), mas logo depois iniciou o roteiro de uma trilogia baseada na “Divina Comédia”, que não pode concluir, mas que foi parcialmente filmada uma década mais tarde.

Tudo Sobre Minha Mãe - Pedro Almodóvar

2010-01-28T05:45:00.000-08:00

Pois sim, meus senhores, este é um filme dedicado a todas as mulheres que querem ser mães. Considerando este simples fato, a película já teria algum crédito comigo.

Em minha opinião, este é um dos melhores longas da carreira de Almodóvar (talvez o melhor). Ele conta a estória de Manuela, uma enfermeira que perde o filho de dezessete anos (Esteban) por conseqüência de um atropelamento. Ela então inicia uma viagem para Barcelona, em busca do pai do garoto, que nunca o havia conhecido, nem sabido de sua existência.

Manuela, além de enfermeira, também faz dramatizações sobre doação de órgãos, para que o assunto seja discutido pela equipe do hospital em que trabalha. É, portanto, congruente que, após a morte do filho, a decisão da mãe fosse doar seus órgãos. Esteban, então, tem seu coração doado. Ele queria ser escritor, completava dezessete anos no dia de sua morte e não sabia nada sobre a vida de seu pai.

O filme se revela extremamente sensível logo no início, quando Manuela decide encontrar o homem que recebeu o órgão do filho, e diz: “Eu fui atrás do coração do meu filho”. Torna-se uma questão de honra encontrar Lola, o pai de Esteban (que também se chamara Esteban antes de se tornar travesti). Só assim Manuela ficaria em paz consigo mesma. Ela volta à Barcelona, cidade onde vivera com o ex-marido. Lá encontra amigos do passado, como Agrado, que lhe diz que Lola havia fugido de Barcelona e roubado seu dinheiro.

É uma película muito rica, tanto em roteiro quanto em música, atuações e fotografia (as famosas “cores de Almodóvar”), não convém que eu revele todas as nuances e surpresas da estória neste texto (leia-se: assista ao filme), por isso me concentrarei em fatos dignos de mais atenção.

Manuela conhece Rosa, uma mulher extremamente solidária que havia transado com Lola pouco antes desta fugir. Desse relacionamento, vieram dois filhos, um bendito e um maldito: o terceiro Esteban (Lola é o primeiro, o filho de Manuela é o segundo e este é o terceiro) e a AIDS. Mais uma vez vemos temas polêmicos e recorrentes na carreira de Almodóvar voltarem à tona. No caso, ele trata da homossexualidade, os travestis, a doação de órgãos e a AIDS.

Um traço interessante neste filme é a marcante presença do teatro e das citações cinematográficas. Vemos Marisa Paredes interpretando Huma Rojo, a atriz que faz o papel principal na peça “Um Bonde Chamado Desejo”, transformada em filme posteriormente. Talvez Almodóvar seja, realmente, um diretor mais teatral. Segundo suas próprias palavras, ele tem se interessado cada vez mais pela natureza humana. É provável que, para falar da condição humana, o cinema tenha que se valer de recursos teatrais, mas sem nunca abrir mão da linguagem própria que adquiriu durante seus cem anos de história. Digamos que se trata de uma intertextualidade entre os meios de expressão artística.

Mais uma vez o diretor mostra uma de suas marcas registradas: a direção de atrizes e a repetição das mesmas. É raríssimo encontrar um filme de Almodóvar que tenha um homem como protagonista. Nesta película, algumas de suas musas inspiradoras se fazem presentes, como Marisa Paredes, Cecilia Roth e Penélope Cruz (iniciante na época).

A música nos dá a impressão de ser tratada como uma personagem e, a fotografia, como todos sabem, se gaba de esbanjar a riqueza das cores, dos cenários perfeitos e a beleza e delicadeza das atrizes.

No final, Rosa morre e Manuela vê Lola, que havia ficado muito debilitada por causa da AIDS. Aquela, então, conta a esta tudo sobre sua vida e sobre a existência de seu filho. Ambas se encontram num café, numa linda cena em que os olhos de Esteban (filho de Manuela) são mostrados enquanto Lola lê seu diário, que diz que não importava como o pai parecesse, ele queria conhecê-lo.

O título é um joguete com o filme “All About Eve” (“A Malvada”, em português), o que mostra, mais uma vez, a presença do teatro na película. Antes de morrer, Esteban escrevia um conto sobre sua mãe, no qual desejava saber tudo sobre seu pai, pesquisando cada vez mais fundo a vida de sua própria mãe. O nome dado ao conto? Tudo Sobre Minha Mãe. Sempre que tratamos das relações dos pais com os filhos, ficamos tocados, pois são coisas que dizem respeito a todos nós. O amor de uma mãe por seu filho é sagrado, como diz, essencialmente, Marisa Paredes no ensaio de uma peça do García Lorca: “Coloquei meus dedos no sangue do meu filho e lambi com a minha língua. Era o meu próprio sangue. Eu não tenho nojo do meu filho!”. É um filme que diz dos papéis que desempenhamos durante a vida, sobre como temos que atuar (no sentido interpretativo da palavra, da dramatização) em vários aspectos e em várias ocasiões. É uma película que fala da delicadeza e da instabilidade da nossa existência. Somos fortes, temos poder sobre nosso destino, mas também somos frágeis. O que acreditamos ser verdade hoje, pode não ser amanhã, e uma coisa tão bonita como a vida, se desfaz quando menos se espera.

Outra pequena nota: "Gata em Teto de Zinco Quente"

2010-01-24T13:55:00.000-08:00

Adaptado de uma peça de teatro de Tennessee Williams, este é, definitivamente, um grande filme. Chama-nos a atenção por muitas coisas: por não ser um pastelão romântico norte-americano (já que foi feito na época em que os grandes e românticos clássicos-clichês estadunidenses estavam em voga), pelas excepcionais atuações, pelos diálogos muito bem escritos e por uma certa ousadia.

O filme não tem, propriamente, uma fotografia extraordinária, tampouco uma trilha sonora digna de atenção, mas o diretor (Richard Brooks) conseguiu fazer do que dispunha, algo que marcou sua época.

Apesar de ter momentos ligeiramente piegas, a película nos surpreende por tratar, já naquela época (1958), de temas considerados polêmicos na sociedade. No caso, temos a atração homossexual, furtiva e secreta entre o protagonista (Brick) e seu melhor amigo. Mesmo que esse fato não esteja evidenciado no filme, as citações o deixam claro nas entrelinhas.

No mais, é um filme sobre o comportamento da nossa espécie diante das mentiras que nos cercam durante toda a nossa vida. É oportuno para refletirmos sobre as nossas relações familiares, nossos preconceitos e sobre o que é viver de verdade.

Uma pequena nota: "Adeus, Lênin"

2010-01-18T13:38:00.000-08:00

Uma mãe, socialista fervorosa, entra em coma (por motivos que não convém revelar aqui). Oito meses se passam e, enquanto ela dormia, caiu o Muro de Berlim. Ela acorda desse longo sono sem saber de nada do que se passara, e é advertida pelos médicos de que não deve sofrer fortes emoções, sob o risco de sofrer um enfarte. Por conta disso, seu filho decide não contar-lhe sobre a abertura das fronteiras.

A partir daí, inicia-se um jogo para manter bem contada essa grande mentira.

Este é um filme delicioso que conta, com certo humor, uma delicada e sensível estória. Por vezes emociona, por outras nos diverte com sua inteligente ironia. Entretenimento à parte, essa é, principalmente, uma película que trata de uma coisa que está acima de todas as outras: A relação de uma mãe com seu filho.

O filme é alemão e tem direção de Wolfgang Becker.

A Dupla Vida de Véronique - Krzysztof Kieslowski

2010-01-15T07:56:00.000-08:00

O primeiro filme da fase francesa da carreira de Krzysztof Kieslowski, retrata a estória de duas mulheres: Weronika e Véronique. Ambas têm aparências idênticas e nasceram no mesmo dia, mas moram em países diferentes e nunca se encontraram. Elas têm uma estranha ligação que será mais bem entendida no decorrer do filme, mas não totalmente explicada.

A primeira estória a ser contada é a de Weronika. Uma mulher que ama cantar, tem um jeito quase infantil, toca piano e sofre de uma doença do coração (mas não sabe disso).

“Tenho uma sensação estranha, uma impressão de não esta só” – Diz Weronika para seu pai, numa hora do filme em que tomamos conhecimento da forte influencia que Véronique tem sobre a outra e vice-versa. As duas se encontram num breve momento, se vêem de relance, mas não podem ter a certeza de que viram, realmente, uma figura gêmea.

Weronika é selecionada para cantar em um concerto e, durante a apresentação oficial, sofre um ataque cardíaco e morre cantando.

A partir daí é contada a estória de Véronique. Ela é mostrada desolada pela morte de Weronika, mesmo sem saber de sua existência. Diz que, de repente, se sentiu muito só. Ela decide romper (inconscientemente) com coisas que a ligavam à Weronika, como um exemplo, a aula de piano.

Ela também sofre do coração, mas consegue ir a um cardiologista a tempo.

Véronique dá aulas de música. Um dia, vai à sua escola um homem que vive de fazer espetáculos com bonecos e escrever livros infantis. No espetáculo que ele apresenta, há uma bailarina que quer dançar, mas quebra seu tornozelo. Ela morre e vira uma borboleta (numa linda cena). A protagonista fica encantada com o homem e desenvolve uma espécie de paixão platônica. Ela mal sabe que o tal homem, chamado Alexandre, também está apaixonado por ela. Ele desenvolve uma procura obsessiva (no melhor dos sentidos) por Véronique, a ponto de mandar uma fita de áudio para ela, só com sons ambientes. Ela consegue descobrir onde seu amado a espera apenas pela decifração desses sons.

Após o encontro definitivo dos dois, eles assumem um relacionamento. Alexandre acha fotos que Véronique havia tirado algum tempo antes. Descobre nelas, a imagem de Weronika (uma foto tirada acidentalmente naquele encontro furtivo, e que tinha passado despercebida). Agora nossa protagonista entende melhor o sentimento de não estar só, e chora.

Alexandre decide criar um espetáculo de bonecos para sua amada, cuja estória é a seguinte: há duas mulheres que nasceram no mesmo dia, porém em lugares diferentes, Uma coloca a mão no fogo e se queima. Dias depois, a outra aproxima sua mão do fogão, mas a afasta, pois tinha aprendido que o fogo queima, mesmo sem ter tido aquela experiência. Elas têm uma estranha ligação.

A fotografia foi feita pelo mesmo fotógrafo de “A Liberdade é Azul”. Ele produz cenas maravilhosas, como a vista da janela do trem sendo vista de cabeça para baixo por uma bolinha transparente.

A música exerce um papel fundamental. É uma película, acima de tudo, muito sonora.

Neste filme, mais uma vez voltamos a um lugar comum na carreira de Kieslowski: o acaso. O fato de duas mulheres que nunca se conheceram poderem se afetar tanto. Ambas têm muito em comum: nasceram no mesmo dia, tem problemas no coração, tem lábios ressecados, cantam muito bem, tocam piano, possuem uma bolinha-perereca transparente com a qual brincam como crianças, passam uma aliança de ouro nos olhos por causa de terçol, entre outros. Véronique chega a sonhar com um desenho que estava dependurado no quarto de Weronika.

Segundo o diretor, todos nós somos ligados por fios invisíveis. Qualquer decisão que tomemos pode afetar outras pessoas, quer as conheçamos ou não. Para ele, viver bem é viver com a plena noção dessa enorme responsabilidade, ou seja, viver com cuidado, para que nossas atitudes não afetem o bem-estar dos outros. Isso é mostrado por traços característicos das personagens desenvolvidos por Kieslowski, como o hábito de Weronika encostar o rosto no vidro para se refrescar. Se isso não acontecesse, ela não veria uma velha mulher pela janela, carregando duas sacolas e, conseqüentemente, não associaríamos essa cena à outra muito parecida, que nos demonstra que, mesmo sendo muito semelhantes, as protagonistas não são iguais e têm diferentes posições perante a vida. Só assim (a partir dos detalhes), descobrimos seus verdadeiros anseios (e talvez os nossos também): o porquê delas correrem, amarem, chorarem e morrerem (esta última no caso de Weronika).

Para mim, é um filme sobre a natureza humana e a delicadeza das relações. De como somos vulneráveis e de como determinamos, não só o nosso próprio destino, mas como a vida de muitas pessoas que nos rodeiam.